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      <p>Von Yayoi Kusamas Ausstellungen in der Tate Modern bis hin zu Superblue, das k&uuml;rzlich in Miami er&ouml;ffnet wurde: &Uuml;berw&auml;ltigende Sinneserfahrungen haben die sozialen Medien in den Schatten gestellt. Aber was ist der Unterschied zwischen Kunst und Attraktion?</p>
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<div class="page" title="Seite 190" style="text-align: justify;"> <div class="layoutArea"> <div class="column"> <p><span><a href="https://www.tate.org.uk/visit/tate-modern" target="_blank" rel="noopener">Als die Tate Modern</a> 2012 ihre <strong><a href="https://www.lofficielitalia.com/pop-culture/yayoi-kusamabiografia-artista-giapponese-robert-shore-giornata-mondiale-del-libro" target="_blank" rel="noopener">Yayoi Kusama-</a></strong> <a href="https://www.lofficielitalia.com/pop-culture/yayoi-kusamabiografia-artista-giapponese-robert-shore-giornata-mondiale-del-libro" target="_blank" rel="noopener">Retrospektive</a> <strong>eröffnete,</strong> wussten die Kuratoren, dass sie groß ist. Dies war immerhin die erste große europäische Forschung zu einem avantgardistischen Konzeptkünstler. Was sie nicht ahnen konnten, war die globale Raserei, die eines seiner Werke – <strong>„Infinity Room“,</strong> also ein von Lichterketten bis ins Unendliche erleuchteter Spiegelraum, auslösen würde. Fast zehn Jahre später gibt <strong>Katy Wan</strong> , die Kuratorin der beiden "Infinity Rooms", die diesen Sommer im <a href="https://www.britishmuseum.org/visit?gclid=CjwKCAjwruSHBhAtEiwA_qCppmOOoBdRyg2ofQ5fy5iDHY-VWVacpvG-TApHm4oxxavM1rG3YchgjRoCJzoQAvD_BwE" target="_blank" rel="noopener">British Museum</a> eröffnen werden, zu, dass diese Wiederbelebung einen doppelten Zweck hat: Besuchern Zugang zu verschaffen, die auf die Bremse der Idee des die Installationen des Künstlers hautnah erleben. Und nehmen Sie sich einen Moment Zeit, um innezuhalten: <em>"Überdenken Sie Kusama angesichts seiner zunehmenden globalen Popularität, die in den letzten Jahren durch die Expansion der sozialen Medien unterstützt wurde."</em></span></p> </div> </div> </div>

„Fast Erde“, 2021, von Jesse Wilson. Installationsansicht in Meow Wolfs „Omega Mart“ in Las Vegas, fotografiert von Kate Russell.

<div class="page" title="Seite 192" style="text-align: justify;"> <div class="layoutArea"> <div class="column"> <p><span>Es war jedoch die Allgegenwart von Social Media, die 2013 die Iteration des „Rain Room“ der Künstler Hannes Koch und Florian Ortkrass, der im Museum of Modern Art in NY eingerichtet wurde, allgemein bekannt machte. Wer hätte Supermodel Karlie Kloss Anfang Zwanzig im strategisch beleuchteten weißen Rock von hinten unter einer künstlichen Flut verpasst? Die von ihm gewählte Bildunterschrift lautete: „Keine Notwendigkeit für #RainRoom-Regenschirm“.</span></p> <p><span>Anfang der 2010er Jahre explodierte die Popularität dieser ganz körperlichen Erfahrungen, angetrieben von Hashtags und Influencern, aber auch von einer gewissen verwirrten Welt der Kunst, die froh war, eine neue Art des Engagements in ihren eigenen Räumen entstehen zu lassen. Museen haben damit begonnen, die Schilder "Keine Fotografie" zu entfernen. Die Verärgerung des Fotos – individuelle Dokumentation, Stillposen, Klicks – ist zum Rhythmus der künstlerischen Räume geworden und wird durch neue kuratorische Verliebtheiten gefördert. An den Wänden wurden QR-Codes angebracht und die Leute begannen auch, sie zu fotografieren.<br /><br /> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">Erst als sich jemand die Mühe machte zu fragen, ob es noch Kunst mit großem A sei, tauchten Kontext- und Abstammungskriterien auf, um Eindringlinge zu analysieren. Bestehende Kunstinstitutionen und Galerien wie David Zwirner, Jeffrey Deitch, <a href="https://www.lofficielitalia.com/arte/petra-collins-moma-new-york-opere-arte-perfomance" target="_blank" rel="noopener">MoMA</a> und Tate hätten ihre Räume in Arkaden, lebensgroße KI-Puppentheater oder riesige Hamsterkäfige verwandeln können. Das mit Streuseln übersäte Eiscrememuseum, das 2016 von Maryellis Bunn und Manish Vora eröffnet wurde, war es definitiv nicht, obwohl der von Desserts inspirierte multisensorische Vergnügungspark die Ideen und die Arbeit von Künstlern brauchte, um ihn zu verwirklichen. Hätten sich die Eigentümer nur darauf konzentriert, eine Partnergalerie zu gewinnen, anstatt nach Sponsoren wie Dove oder Tinder zu suchen, wäre sie vielleicht besser angekommen. Zum Glück für Bunn und Vora war es ihrer Fangemeinde egal und ihre spontane Popularität wurde nicht durch die Enthüllungen über bestimmte missbräuchliche Einstellungen oder sogar durch die Pandemie gekürzt. Im vergangenen April gab das Singapore Tourist Office bekannt, dass das Land die erste Iteration des MoIC - Museum of Ice Cream nach seiner Expansion vom New Yorker Hauptsitz zum Pop-up in Miami veranstalten wird. Als Fallstudie betrachtet, zeigt das MoIC, wie fragil das Wort „Museum“ an sich ist.</span><br /></span> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;"></span><span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;"></span></p> </div> </div> </div>

<div class="page" title="Seite 193" style="text-align: center;"> <div class="layoutArea"> <div class="column"> <p><span>Auch wenn die</span> <span>Verbindung damals noch nicht erkannt wurde, lässt sich nicht leugnen, dass Interaktivität seit jeher die Grundlage für den Erfolg von Kunsträumen war.</span><span></span></p> </div> </div> </div>

„Infinity Mirrored Room – Filled with the Brilliance of Life“, 2011/2017, von Yayoi Kusama. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Tate Modern

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  <p style="text-align: justify;"><span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">Das MoIC ist ein von der Presse geliebter F&uuml;hrer in einem erweiterten Szenario neuer Institutionen, die sich auf Erfahrungen konzentrieren, die Ihnen das Ticket f&uuml;r das Privileg in Rechnung stellen, in Sets &auml;hnlich wie in Hollywood-Studios zu gehen. Die New York Times und andere Medien haben diese Startups als Au&szlig;enposten</span> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">der &bdquo;Erlebniswirtschaft&ldquo; bezeichnet. Dennoch versuchen diese R&auml;ume oft, diese Art von Klassifizierung abzulehnen, einschlie&szlig;lich Verweisen auf die edlen K&uuml;nste wie das L'Atelier des Lumi&egrave;res in Paris und das Artech House in New York. Es gibt eine unbestreitbare Hassliebe zwischen der zugrunde liegenden Idee, die das Marketing durchdringt und dem Dialog um diese R&auml;ume. Sie definieren sich selbst: <em>"Immersive, topaktuell, anarchistisch"</em>, dennoch scheinen sie die Zustimmung der k&uuml;nstlerischen Elite zu suchen.<br /><br /></span> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">Meow Wolf ist die Ausnahme, zumindest dem Namen nach. Das Kollektiv, das von einer Gruppe von K&uuml;nstlern in Santa Fe, New Mexico, gegr&uuml;ndet wurde, hat sich in den letzten zehn Jahren von einem psychedelischen Kunstansatz im Guerilla-Stil und einem Pop-up-Musikproduzenten zu einem engagierten Multimillionen-Dollar-Konglomerat entwickelt. Sein Ziel war es von Anfang an, K&uuml;nstlern, die von konservativen Einstellungen und der Konkurrenz, die in bestehende kreative Taxonomien integriert schien, m&uuml;de zu machen, den Weg zu einem neuen Publikum zu &ouml;ffnen. Sein j&uuml;ngstes Projekt ist Omega Mart, eine Kulisse, die einen gruseligen Lebensmittelladen nachbildet, in dem Besucher eingeladen werden, umherzuwandern und &uuml;ber die Fallen des Konsums nachzudenken.</span> <em style="letter-spacing: 0px;">"Wenn die Kunstwelt &uuml;ber die Jahrhunderte hinweg eines getan hat, dann ist es, etwas abzulehnen, das zun&auml;chst als nicht gut genug angesehen wurde, um Kunst zu sein",</em> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">sagt Caity Kennedy, eine der Gr&uuml;nderinnen von Meow Wolf und ihr Senior Creative Director.</span> <em style="letter-spacing: 0px;">"Wenn sie uns also daf&uuml;r kritisieren, dass wir Dinge machen, die zu unterhaltsam oder popul&auml;r oder noch schlimmer lustig sind, tut es mir leid, weil es ein Urteil ist, das einen Mangel an Neugier zeigt."</em> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">Tats&auml;chlich ist es einfach, eine Liste von "Spukh&auml;usern" zu erstellen, die von der Industrie als "wahre Kunst" zertifiziert wurden - die Park Avenue Armory verwandelte 2013 ihren &Uuml;bungsraum in eine Schneewittchenh&ouml;lle f&uuml;r</span> <a href="https://www.lofficielitalia.com/arte/paul-mccarthy-intervista-artista-contemporaneo-chi-e-opere-scandalose-famose" target="_blank" rel="noopener" style="letter-spacing: 0px;">die Ausstellung. WS von Paul McCarthy</a> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">; drei Jahre sp&auml;ter produzierte Pedro Reyes f&uuml;r Creative Time ein politisch motiviertes Spukhaus. Und in einem von Art Production unterst&uuml;tzten Projekt hat Lucy Sparrow 2019 einen interaktiven Lebensmittelladen aus Filzprodukten geschaffen. Im selben Jahr k&uuml;ndigte Meow Wolf Pl&auml;ne zur Er&ouml;ffnung eines Kunsthotels in Phoenix an, als Hauser und Wirth ihre Fife Arms in Schottland deb&uuml;tierten, und Maja Hoffmann k&uuml;ndigte die Fertigstellung einer Reihe von Hotels in der N&auml;he ihres privaten Kunstkomplexes Luma Arles an.</span> <em style="letter-spacing: 0px;">&bdquo;Alles, was sensorisch ist und keine andere Funktion hat, ist eine Form der Unterhaltung, auch wenn es eine Herausforderung oder eine Nische ist&ldquo;,</em> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">f&auml;hrt Kennedy fort. </span>F&uuml;r jede Kunstwelt, die eine Ausnahme errichtet, zeigt mehr vom hohen Einstiegspunkt des eigenen Zielpublikums, als von dem, was Kunst ist".</p>
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<div class="page" title="Seite 194" style="text-align: justify;">
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    <div class="column">
      <p><span><strong>Superblue</strong> , eine neue hybride Institution, die von der <strong><a href="https://www.pacegallery.com/" target="_blank" rel="noopener">Pace Gallery</a></strong> und dem Tech-Disruptor-Kollektiv Emerson unterst&uuml;tzt wird und droht, die Dinge noch weiter zu verschmutzen. Seine erste Iteration ist in Miami neben der legend&auml;ren Privatsammlung des Rubell Museums mit Installationen international bekannter K&uuml;nstler wie James Turrell und teamLab zu sehen. Das Projekt verwendet im Gegensatz zu Meow Wolf keine Sprache der "Attraktion", um sein Programm zu beschreiben, obwohl es alternativ beabsichtigt, sein &auml;sthetisches und architektonisches Vokabular zu schmieden. Zu diesem Zweck sieht Mitbegr&uuml;nderin und CEO Mollie Dent-Brocklehurst die Lancierung von Superblue als erstes Experiment in einem st&auml;ndigen Dialog, der fast ausschlie&szlig;lich von K&uuml;nstlern gef&uuml;hrt wird, die zuvor durch die Grenzen abwechselnder Ausstellungen und F&ouml;rderung blockiert waren. Er erkl&auml;rt, dass die M&ouml;glichkeit, j&auml;hrliche Residenzen zu schaffen und Ticketverk&auml;ufe zu generieren, es der neuen Institution erm&ouml;glicht, die Schaffung traumhafter immersiver Kunstwerke zu unterst&uuml;tzen, die sich Museen und Galerien</span> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">nicht leisten k&ouml;nnten. Nachdem wir gerade in Miami den Boden getestet haben, werden im n&auml;chsten Schritt die n&auml;chsten Kooperationen mit anderen Institutionen, teilweise als Produktionspartner, bekannt gegeben. <em>&bdquo;Letztendlich sind wir hier, um K&uuml;nstlern zu dienen und ihnen zu helfen, ihre ehrgeizigsten Projekte ohne Einschr&auml;nkungen zu verwirklichen&ldquo;,</em> erkl&auml;rt Dent-Brocklehurst. Wie Meow Wolfs Kennedy bezweifelt Dent-Brocklehurst, dass "Erfahrungskunst" ein neues Genre ist, und betrachtet Superblue stattdessen lieber als eine Weiterentwicklung der Arbeit von Land Artists, architekturorientierten Fachleuten</span> <span style="background-color: transparent; font-family: inherit; font-size: inherit; font-style: inherit; font-variant-ligatures: inherit; font-variant-caps: inherit; font-weight: inherit; letter-spacing: 0px;">wie Colette und Gordon Matta-Clark und Institutionen wie institutions Mass MoCA, The Kitchen und The Armory, die seit jeher ihre Salons f&uuml;r gro&szlig;e Ambitionen geliehen haben.</span></p>
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<div class="page" title="Seite 194" style="text-align: justify;"> <div class="layoutArea"> <div class="column"> <p><span>Das ist wahr. Wenn man in die Geschichte der Kunsträume eintaucht, ist es unmöglich festzustellen, wann sie erfahrbar wurden. Der Louvre zum Beispiel ließ das Publikum früher durch seine Säle streifen, während Künstler an den raumhohen Leinwänden arbeiteten. Auf Anregung von Louise Nevelson veranstaltete Alfred H. Barr, der Gründungsdirektor des MoMA 1942, den berühmten Joe Milone's Shoe Shine Stand in der Lobby des Gebäudes und bot den Besuchern die Möglichkeit, ihre Schuhe auf dem juwelenbesetzten Thron polieren zu lassen des sizilianischen Einwanderers Joe Milone (Barr wurde später aus dem Vorstand geworfen, weil ihm vorgeworfen wurde, zu avantgardistisch zu sein). Auch wenn die Verbindung damals nicht erkannt wurde, lässt sich nicht leugnen, dass Interaktivität seit jeher die Grundlage für den Erfolg von Kunsträumen war. Vielleicht bedeutet dies, dass die derzeitige Dominanz von Social Media in Gesprächen nur eine Phase ist – ein wachsendes Leiden, das in unserem Verständnis dieser Institutionen bald zusammenbrechen wird. Wenn die Vergangenheit ein Hinweis ist, werden die Künstler den Weg weisen.</span></p> <p><span>Als Leo Villareal, ein von der Pace Gallery vertretener Künstler mit bereits in der Pipeline befindlichen Projekten mit Superblue und einer Karriere, die sich auf öffentliche Interventionen konzentriert, gebeten wurde, die Dominanz der sozialen Medien in diesen Räumen und das dadurch erzeugte Gefühl von Apparaten anzugehen. <em>„Ein Teil von mir denkt, dass meine Arbeit unter den richtigen Bedingungen vielleicht ein Ort sein könnte, an dem man sein Handy weglegen und einfach nur da sein möchte. Dann können Sie tun, was Sie wollen, ohne den Druck zu verspüren, eine Interaktion herstellen zu müssen – sei es für die Arbeit oder für soziale Medien. Wenn ich an Superblue denke, bin ich optimistisch, dass sie diese Probleme ernsthaft in Frage stellen. Barrierefreiheit ist eine retrospektive Reflexion, aber ein wesentlicher Bestandteil auf jedem Schritt auf dem Weg von der Philosophie über das Design bis zur Finanzierung ».</em></span></p> </div> </div> </div>

Kein Filter: von Superblue Miami die immersive Ausstellung von Yayoi Kusama

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